Introduction
Vous souhaitez apprendre à chanter mais vous vous perdez dans la multitude de conseils contradictoires ? Entre les vidéos YouTube qui prônent une respiration ‘correcte’, les cours qui insistent sur une articulation exagérée et les professeurs qui jurent que sans échauffement, votre voix est en danger, difficile de s’y retrouver….
La vérité ? La plupart des ‘règles absolues’ du chant sont en réalité basées sur des mythes tenaces ou des traditions dépassées. Dans cet article, nous allons déconstruire les 7 plus grandes idées reçues sur l’apprentissage du chant, en nous appuyant sur des observations concrètes et les dernières connaissances scientifiques. De la respiration au placement vocal, en passant par la posture, l’articulation, l’échauffement vocal, les exercices vocaux et ‘chanter dans le masque’, découvrez pourquoi certains conseils populaires peuvent en réalité freiner vos progrès.
Que vous soyez débutant ou chanteur confirmé, cette lecture vous permettra de porter un regard neuf sur votre pratique vocale et d’aborder le chant avec plus de liberté et d’efficacité.
La respiration dans le chant
Ce qu'on peut lire / entendre:
‘Bien chanter commence par une bonne respiration.’ ‘Il faut apprendre à contrôler son souffle.’ ‘Tu dois chanter avec le ventre.’ Ces affirmations sont omniprésentes dans l’enseignement du chant, suggérant qu’il existerait une seule manière ‘correcte’ de respirer. La respiration abdominale est notamment présentée comme la clé pour bien utiliser sa voix, assurer la justesse et éviter de forcer.
Pourquoi ce n'est pas si simple ?
Contrairement à ces idées reçues, les recherches scientifiques montrent qu’il n’existe pas une seule ‘bonne’ manière de respirer pour chanter. Notre corps fonctionne comme un système dynamique où la respiration, les plis vocaux et le conduit vocal interagissent constamment. Ce qui compte n’est pas tant la façon de prendre l’air que la manière dont cette respiration s’adapte à ce que nous voulons produire vocalement.
Si la respiration diaphragmatique est souvent mise en avant, c’est qu’elle peut permettre un contrôle plus fin de la pression d’air. Mais dans la réalité, nous utilisons naturellement différents types de respiration selon nos besoins : chuchoter un secret, parler normalement ou appeler quelqu’un au loin impliquent chacun une gestion du souffle différente. Notre cerveau orchestre automatiquement ces ajustements respiratoires.
Les troubles de la voix ne viennent généralement pas d’une ‘mauvaise respiration’, mais plutôt d’une tentative de forcer notre corps à faire quelque chose qui n’est pas naturel. La sensation de manquer d’air, souvent interprétée comme un signe de mauvaise technique respiratoire, est en réalité un simple signal physiologique qui ne reflète pas nécessairement un problème de respiration en soi.
Par ailleurs, des études menées sur des chanteuses formées aux mêmes techniques de respiration abdominale ont révélé un fait intéressant : chacune a développé sa propre manière de respirer, unique et personnelle. Plus surprenant encore, ce qu’elles pensaient faire avec leur respiration ne correspondait pas toujours à ce que les capteurs mesuraient réellement sur leur corps.
De quoi se demander s’il est vraiment utile de s’ingérer dans le fonctionnement de notre respiration et de suivre des conseils que notre corps n’utilisera pas.
Comment apprendre la respiration pour le chant ?
Plutôt que de chercher LA bonne manière de respirer, il est plus pertinent d’explorer et de comprendre vos propres schémas respiratoires. L’objectif est de mieux connaître l’interaction entre votre respiration, vos plis vocaux et votre conduit vocal, pour trouver un équilibre naturel adapté à ce que vous voulez chanter.
L’articulation dans le chant
Ce qu'on peut lire / entendre:
L’articulation est le Graal du chant! Selon certains sites, articuler “correctement” permettrait de mieux maitriser son souffle, sa résonance, sa justesse, gagner en projection, en puissance, d’être mieux en rythme (rien que ça!) . Une articulation précise et travaillée est fondamentale pour une interprétation vocale réussie, améliorant à la fois la clarté des paroles et la qualité sonore globale.
Pourquoi c'est d'abord une question esthétique?
Lorsqu’on écoute des artistes tels que James Bay, Nirvana, Serge Gainsbourg, Amy Winehouse en live, Billie Eilish, Guns N’ Roses, Radiohead, Muse ou Lana Del Rey…. Tous ce artistes n’articulent pas vraiment, et pourtant, leur interprétation n’en est pas moins efficace, expressive et captivante.
Imaginons Thom Yorke chantant Creep avec une diction parfaitement nette. L’impact émotionnel du morceau en serait-il renforcé ? Peu probable. Cette absence volontaire d’articulation contribue à l’esthétique du morceau, créant une proximité, une vulnérabilité qui sert directement l’intention artistique. Ainsi, le degré d’articulation adopté doit avant tout correspondre à l’expression recherchée et au message à transmettre.
Et une question de technique vocale
Dans l’édition 2022 de la Star Academy, la coach vocale Laure Balon affirme que “l’émotion passe par la prononciation“. Lors d’une répétition, elle conseille à un candidat, Julien, d’articuler davantage, de “d’ouvrir plus“. L’approche, pourtant bien intentionnée, ne semble pas résonner avec lui ni avec ses camarades.
Si Julien n’adhère pas à cette consigne, ce n’est probablement pas par réticence ou par manque d’audace, mais parce que cela ne correspond ni à sa personnalité, ni à ses goûts musicaux. Imposer une articulation prononcée sous prétexte qu’elle faciliterait l’expression de l’émotion revient à ignorer tout cela.
Par ailleurs, certaines limitations physiologiques peuvent expliquer des difficultés à articuler distinctement. Si Julien présente des restrictions de mobilité qui l’empêchent d’ouvrir davantage la bouche, des conseils comme “ouvre plus la bouche” ou “articule plus” risquent de le pousser à forcer sur sa voix, au détriment de sa santé vocale.
Vouloir imposer une diction rigide à un chanteur sans prendre en compte ni comprendre d’éventuelles limitations physiologiques qui se cachent derrière… n’est pas très professionnel.
Comment apprendre à articuler en chant ?
Plutôt que d’imposer une articulation standardisée, il est plus pertinent d’explorer un large spectre de possibilités. Exercez-vous à chanter avec des niveaux d’articulation variés, allant d’une diction quasi absente (comme un ventriloque) à une articulation exagérée. Observez les effets de ces variations sur la couleur du son, la résonance, et la manière dont vous ressentez votre voix.
Identifiez votre tendance naturelle et interrogez-vous : quel degré d’articulation sert le mieux l’interprétation du texte que vous chantez ? Adaptez ensuite votre approche en fonction de votre intention artistique.
Enfin, si vous ressentez une difficulté persistante à articuler, posez-vous la question de l’origine de cette contrainte. Un manque de mobilité, qu’il soit musculaire ou articulaire, peut avoir un impact sur l’ensemble du système vocal.
L'échauffement vocal: s'échauffer avant de chanter
Ce qu'on peut lire / entendre:
Il est généralement recommandé de s’échauffer la voix avant de chanter afin d’éviter les blessures. Des exercices d’échauffement sont conseillés pour “activer la respiration”, “préparer la voix”. C’est essentiel pour “éviter la fatigue vocale” et préserver la santé des cordes vocales.
Pourquoi c'est exagéré et/ou à placer dans un contexte?
L’idée que l’échauffement vocal est indispensable avant chaque performance mérite d’être nuancée à plusieurs égards.
La voix humaine, comme beaucoup de nos capacités naturelles, peut être utilisée spontanément sans préparation particulière. Les karaokés, les fêtes ou les événements sportifs en sont la preuve : les gens chantent naturellement sans s’échauffer, et cela ne cause généralement pas de problèmes. Les enfants aussi démontrent une capacité remarquable à produire des voix riches et puissantes sans aucune préparation.
Si l’échauffement peut être bénéfique dans certaines situations spécifiques, comme avant un concert ou un enregistrement long, il ne devrait pas être considéré comme une condition sine qua non du chant. Cette perception peut même devenir contre-productive en générant une anxiété inutile chez les chanteurs.
Contrairement au sport, le chant ne repose pas uniquement sur l’effort physique et la force musculaire. C’est une activité qui fait davantage appel à la mobilité et à la coordination. Cette différence fondamentale remet en question la nécessité systématique d’un échauffement.
Le besoin constant de s’échauffer peut parfois masquer des faiblesses techniques sous-jacentes. Avec un bon apprentissage, une voix devrait pouvoir s’exprimer sans nécessiter de préparation. Dans ce contexte, l’échauffement peut devenir un simple palliatif à des lacunes techniques plutôt qu’une véritable nécessité.
Quand faut-il s’échauffer la voix ?
En contexte professionnel:
Lors d’un concert, d’un enregistrement en studio ou d’une prise de parole en public, l’échauffement peut s’avérer bénéfique. Il aide à :
- Préparer la voix aux exigences techniques immédiates
- Gérer l’impact du trac et du stress sur les performances vocales
Cependant, cette préparation n’est pas uniquement physique. Certains artistes privilégient d’ailleurs une préparation mentale silencieuse, démontrant que chacun peut adapter sa routine selon ses besoins personnels.
En contexte pédagogique:
Dans le cadre d’un cours de chant, qu’il soit collectif ou individuel, l’échauffement vocal s’avère contre-productif. L’apprentissage repose sur la capacité à observer et améliorer la voix dans son état naturel. Un échauffement préalable modifie cet état initial et peut ainsi :
- Masquer les aspects techniques à travailler
- Ralentir le processus d’apprentissage
- Créer une dépendance inutile à cette pratique
En contexte informel:
Le chant spontané entre amis, en famille ou avec des inconnus ne nécessite aucune préparation particulière. Cette spontanéité fait partie intégrante du plaisir de chanter et permet de :
- Profiter pleinement de l’instant présent
- Se libérer de la pression de la performance
- Accepter l’imperfection comme partie intégrante de l’expérience
La posture dans le chant
Ce qu'on peut lire / entendre:
Dans de nombreux conseils sur la posture pour le chant, il est souvent affirmé qu’une bonne posture est primordiale. Cela inclut de se tenir bien droit, de bomber le torse, de garder les jambes parallèles et de maintenir une position stable tout au long de la performance. C’est indispensable pour « bien chanter » car cela permet une meilleure gestion du souffle et de chanter plus juste.
Pourquoi ça n'a pas de sens ?
Dans de nombreuses cultures, le chant et la danse sont intimement liés, et de nombreux styles musicaux, anciens ou modernes, associent ces deux disciplines. Par exemple, les musiques traditionnelles africaines, latines ou encore celtiques intègrent des mouvements rythmiques qui accompagnent le chant. Dans la musique pop, rock et jazz, l’interprétation scénique repose souvent sur une gestuelle dynamique qui accompagne l’expression vocale. Les chanteurs de comédie musicale, quant à eux, doivent synchroniser leur chant avec des chorégraphies complexes sans que cela n’altère leur performance vocale.
Les musiciens chanteurs, comme les pianistes ou guitaristes, incarnent aussi cette relation entre mouvement et chant. Ils ajustent sans cesse leur posture pour jouer de leur instrument tout en chantant, ce qui prouve qu’il n’existe pas une unique posture figée qui garantirait une meilleure production vocale.
Ainsi, aucun chanteur ne reste statique, “bien droit”, avec les jambes parallèles et le torse bombé. Imposer une posture rigide ne fait que créer des tensions, car l’apprenant cherche alors à modifier ses courbures naturelles et habituelles.
Enfin, évidemment, aucune preuve scientifique ne soutient qu’une posture “bien droite” améliore la justesse ou la qualité du chant.
Apprendre la posture pour le chant ?
Les exercices vocaux et les vocalises
Ce qu'on peut lire / entendre:
Les exercices vocaux, notamment les vocalises, sont la méthode traditionnelle pour apprendre à chanter et travailler sa voix dans notre culture occidentale. Ces exercices consistent à chanter des séquences de notes sur des voyelles ou des syllabes spécifiques. Elles aident à renforcer la justesse, en développant l’oreille musicale, et améliorent la flexibilité vocale en augmentant l’étendue et la souplesse de la voix.
Depuis longtemps, elles constituent la base de l’entraînement vocal et restent aujourd’hui un élément central dans l’apprentissage du chant.
Pourquoi on apprend pas grand chose en fait ...
Il existe plusieurs raisons interconnectées expliquant pourquoi les exercices vocaux et les vocalises ne mènent pas vraiment à un apprentissage efficace du chant :
La répétition mécanique sans lien avec la pratique réelle : les exercices vocaux suivent souvent un principe de répétition isolée, ce qui empêche de transférer les compétences acquises dans la pratique des morceaux. Un chanteur peut réussir un exercice vocal parfaitement, mais ne pas retrouver cette facilité lorsqu’il interprète une chanson.
Une méthode standardisée qui ignore la singularité de chaque chanteur : les instructions données dans les vocalises suivent souvent un schéma rigide, en ignorant les spécificités anatomiques et personnelles de chaque voix. Cela empêche une adaptation optimale aux besoins de chaque individu.
L’absence de prise en compte de l’apprentissage moteur : les exercices vocaux traditionnels ne prennent pas en compte la manière dont le cerveau intègre et automatise les gestes vocaux. Ils se concentrent uniquement sur la répétition de gestes techniques sans permettre un apprentissage profond et durable.
En conclusion, bien que les exercices vocaux puissent parfois avoir une utilité ponctuelle, ils ne suffisent pas à garantir un véritable apprentissage durable des techniques vocales.
Comment apprendre à chanter ? Travailler sa voix ?
Apprendre à placer sa voix - Le placement vocal
Ce qu'on peut lire / entendre:
Apprendre à placer sa voix est souvent perçu comme une étape cruciale de l’apprentissage du chant, mais il prend des significations différentes selon le contexte.
L’objectif est de maximiser la résonance pour projeter la voix sans amplification, en dirigeant les vibrations ressenties vers des zones spécifiques comme la tête et les sinus.
Pourquoi c'est inutile en musiques actuelles amplifiées ?
Le concept de “placement vocal” est en grande partie hérité du chant classique, où l’accent est mis sur la projection de la voix pour se faire entendre dans des espaces vastes sans amplification. Cette approche, bien que nécessaire dans un contexte de chant lyrique ou d’opéra, n’est pas pertinente pour les musiques actuelles.
Dans les genres contemporains tels que la pop, le rock ou le jazz, les chanteurs n’ont pas forcement besoin de projeter leur voix en permanence de toutes manières, les micro permettent d’amplifier la voix.
L’obsession du “placement” devient donc contre-productive, car elle impose des règles strictes qui limitent la flexibilité et la créativité des chanteurs.
L’enseignement du chant, même dans des styles contemporains, a souvent hérité des principes rigides du chant classique. De nombreux professeurs insistent encore sur des notions comme “placer la voix dans le masque” sans tenir compte de l’évolution des besoins vocaux dans des contextes modernes.
Ces recommandations peuvent être particulièrement néfastes, car elles encouragent des stratégies de chant rigides et peuvent mener à des tensions inutiles dans le corps et la voix, surtout si l’élève ne comprend pas bien ces concepts ou les pensent obligatoires.
Il est donc important, dans un contexte de musiques actuelles de se détacher de ces notions obsolètes et d’embrasser une approche plus libre et moins dogmatique, qui laisse place à la créativité et à l’expression personnelle sans sacrifier la santé vocale.
Les types de voix en chant : baryton, tenor, alto, soprano
Ce qu'on peut lire / entendre:
Selon des repères historiques et esthétiques hérités du chant lyrique, les voix sont classées selon des critères acoustiques et mécaniques autant objectifs que subjectifs: soprano, mezzo, alto, ténor, baryton, basse.
Pourquoi ça ne sert pas à grand chose ?
Si ces classifications peuvent avoir du sens pour le chant classique, dans le cadre des musiques actuelles elles ne sont pas pertinentes car elles restreignent la liberté d’explorer pleinement le potentiel vocal. Et ce d’autant que la voix évolue continuellement avec l’âge, l’expérience, et ne peut donc pas être figée dans des cases fixes tout au long de la vie. Se limiter à un type de voix spécifique empêche d’explorer les possibilités vocales.
Il est donc essentiel de ne pas se laisser enfermer par des étiquettes vocales et de considérer ces classifications comme des outils pratiques plutôt que des vérités absolues.
Les chanteurs doivent pouvoir dépasser ces limites et se concentrer sur le développement de leur potentiel vocal sans être contraints par un type de voix prédéfini.
